スキップしてメイン コンテンツに移動

ピアノワンポイントコラム⑧身体のこと~その3「心と身体」




『脳が指に追従するのではなく、常に指が脳に追従するように弾きなさい。』

ーワシーリー・サフォーノフ*


『和音は、手ではなくて頭で準備されるべきです』
—レオニード・ニコラーエフ**

『(サマーリィ・)サフシンスキーは休息について「休息は練習そのものと同様に大切だ」という風によく話していた。既に学んだ事柄が時間をかけて定着する過程を “Taking root (根付く)” と表現した。』***




引き続き
音楽家にとって
「自分の身体を知る」ことの
大切さについて
お話ししています。


今回は


③自分の身体のコンディションに気づく。
④自分の心のコンディションに気づく。

についてお話しします。



③自分の身体のコンディションに気づく。



以前、習い始めて間もない

生徒さんの親御さんから


「家で練習する時に、

椅子の高さを床から何センチ

設定すればよいですか。」


というご質問メールを

受けた事があります。


私は、


コンディションに差があるので、

固定数値は差し上げられませんが、

座って、鍵盤に手を掛けてみた時の

肘の高さで、、、」


と図面を使って

ご説明しました。


しかし、

実際には

この答えでも

不十分です。


私が

「固定数値」や

「絶対的な身体のフォルム」

を明言のを

避ける傾向があるのは、


多くのことは

「コンディションによって変化する」

からです。


椅子の高さは

その最も

分かりやすい例の

一つです。


座る位置(床からの高さ)は


ーピアノの足の長さ

ーインシュレーターの有無

ー着用している服の分厚さ

ー靴の厚さ

などの

影響を受けて変化します。


日々身体の大きさが

変化している

成長期のこどもさんなら

なおさら注意が必要です。



身体のコンディションのみならず

天候や気圧の変化などにも

意識を向けてみると、


より有意義な

ピアノとの対話が

可能になります。


例えば、


「普段に比べて

楽器の鳴りが芳しくない」


といったような

問題一つをとっても

様々な要因

考えられます。


(鍵盤に触れる位置や速度、

腕の振りや手首のしなり、

椅子の高さ

などを調節して

響きの改善を試みることを

前提とした上で)


湿気のせい」

除湿器をオンにする。



調律の不具合

調律師に電話



体調がすぐれない」

練習を休む



といった風に

身体や環境の

コンディションの変化に

気付くことで


見当違いな

エネルギーの浪費を防ぎ、

各要因に応じた

より適切で具体的な対策を

取ることが出来ます。



最後のポイントです。



④自分の心のコンディションに気づく。


自分で書いておきながら

言うのも何ですが、


は「心」と「身体」

分けて話すことに

うっすらと違和感を

感じています。


なぜなら

身体と心は繋がっている

と感じるからです。


心がどこにあるかという

議論はさておき(笑)

一般的に、

心に起こる現象は


「感情」=情緒的な心

「マインド」=理性的な心

「スピリット」=精神


などと区別されますが、


これらのコンディションは

身体のコンディションと密接に

関わっています。


「心」


といった

広義で曖昧な表現に

抵抗を感じられる方も

いらっしゃると思います。


ただ、

年齢を重ねれば重ねるほど、

心と身体の密接な関係

心が身体に及ぼす影響

についてより深く

考えさせられます。


身体の特定の部位や動作

ばかりに意識がいって

身体の司令塔であり

オアシスである

「心」を疎かにしては

本末転倒ということに

なりかねません。


懸念や寝不足などで

心(脳)からの活発な指令が

滞ってしまえば、

細やかで複雑な動作に

ほころびが生じます。


また、


過度の緊張や

強迫観念によって

心(心臓)が乱れると、

心拍数が上がり、

力みが生じ

普段の様に

身体が動かなくなる

ようなことも

起こりえます。


逆に、


ふっと、気が和らいで

無駄な力が抜けた時

弾けなかった

パッセージが

急に弾けるように

なったり、


心に

ちょっとした

イメージを描いただけで

複雑な動作が

一瞬で出来てしまったり

ということも

起こるわけです。



Photo by Yoann Boyer
Infinity by Yoann Boyer
 

音楽家には
完璧主義の人も多いです。

人前で演奏する
ということは
様々なプレッシャーを抱えます。

心のコンディション
意識を向けることは

こういった
心の負荷にも
対応できるような
心身を養うことに
繋がります。



身体と心のコンディションに注目した
アレキサンダーテクニックをはじめ

昨今では
音楽家に特化した
メンタルトレーニングなども
充実してきているようです。

息の長い活動を見据え、
自身(生徒さん)の
ポテンシャルを
存分に発揮するためにも
身体と心のコンディションには
常々気を付けて
いきたいです。


最後に。

最も大事な「呼吸」

についても

書きたかったのですが、

更に内容が

膨らんでしまうので、

またいつか別の機会に

お話しできればと

思います。


お読みいただきありがとうございました。



***


さて、次回は


譜読み、和声感、個性のことなど

掲載予定ですが、


しばらくお休みしていた

留学体験記にいったん戻って

博士課程のことや仕事のこと

マネスでの体験

その他いろいろなハプニングについて

綴っていきたいと思っています。


何かご興味のあるトピックがあれば

ご意見お聞かせください。




【出典&原文】
“Play always so that your fingers follow your brain, and not your brain your fingers.”
ーMaria Safonov, The Unpublished biography of Wassili Safonov, 30. 

”chords should be not prepared in the hand, but in the head.”
ーSamari Savshinsky, Leonid Nikolaev. Pianist. Kompozitor. Pedagog, 124.

"...Savshinsky often talked about rest in practice, these rests being as important as the practice itself. Savshinsky talks about the expression 'taking root,' which describes a process of settling down of already learned material."
ーGabriel Escudero Braquehais, “From ST. Petersburg to NEW YORK.
The ST. Petersburg Piano Tradition (1889-2012). From Vasily Safonov To Arkady Aronov,” 68.


ワシーリー・サフォーノフ:ピアノ教師、指揮者、作曲家。レシェティツキの弟子。モスクワ、サンクトペテルブルク、ニューヨークで教鞭をとる。弟子にスクリャービン、ジョセフ・レヴィン、メトネル、レオニド・ニコラ―エフなどがいる。


**レオニード・ニコラーエフ:サフォーノフの弟子。弟子にショスタコーヴィチ、ソフロニツキー、サマーリイ・サフシンスキーなどがいる。


***サマーリイ・サフシンスキー:ニコラ―エフの弟子。サンクトペテルブルク音楽院ピアノ科教授。科学と心理学も学び、ピアノ教育本や音楽批評など執筆活動も盛んに行う。弟子にヴィタリー・マルグリス、アルカディ・アロノフ、ラザール・ベルマンなどがいる。






このブログの人気の投稿

My alma mater マネス音楽院について PART 3

  (前回のブログ:マネス音楽院についてPART2) 留学を決めてから、 色々な音楽学校から 募集要項や学校案内の パンフレットを取り寄せました。 色々な学校のパンフレットを 見比べていく中、 セピア調の表紙の パンフレットを 手に取ったとき、 懐かしいような 不思議な感覚がしました。 マネス音楽院のカタログでした。 なんと!まだありました! 今から20年前のマネス音楽院のカタログ 教授陣のリストや カリキュラムなどを見ていくうちに、 ますます好感度が アップしていきました。 「この学校に行きたい。」 マネス音楽院と マンハッタン音楽院に 出願を決めました。 * 少し話が横道にそれますが、 アメリカ、NYの音大といえば 何といっても ジュリアード音楽院の名前が 真っ先に挙がるかと思います。 当時の私の実力では 受けたところで まず受かることは なかったと思いますが、 願書を出さなかった 理由の一つは 願書を取り寄せた時点で プリ・スクリーニング オーディションという ビデオ予備審査の 〆切に 準備が間に合わなかったことです。 「締め切りまでに 間に合わない!!」と 候補から 外しました。 ただ、 アメリカの事情を知って 改めて言えることは、 例え〆切に 間に合わなかったとしても、 予備審査に提出した 演奏が評価され、 先生方や アドミッション (入学事務課)の 許可さえ下りれば 現地オーディションに 呼んでもらえる 可能性も充分あると思います。 このことに関しては また別の機会にも お話ししますが、 向こうの大学は その辺の融通が割と 効きます。 要項の条件を 全て満たしていないからといって、 あっさりとあきらめるのではなく、 まずはメールなどで 問い合わせることをお勧めします。 * 出願後、 現地オーディションを受けました。 マンハッタン音楽院とマネス音楽院を 受験したのですが、 両校を訪れた時の印象は すごく対照的でした。 一言でいえば、 マンハッタン音楽院は 大きくて、大人数。 マネス音楽院は (すごく)  小さくて、少人数。 当時のマネス音楽院には 食堂すらありませんでした。 その代わり、 縦に細長い古い ビルディングの五階に 「リビングスペース」のような、 ソファが囲んで置いてある スペースがあって、 〈WELCOME〉 という張り紙と共に、 ドーナツやコ

ピアノワンポイントコラム① テクニックって何?

(アメリカ留学体験記は一休み中!) 「テクニック」とは 自分が体現(実現)したい事を 可能にする為の手段・方法 です。 ここで生まれる質問: 「あなたはそのテクニックを使って 何をしたいですか?」 つまり、 「何がしたいか、何が欲しいかを知る」ことが テクニック習得の第一歩です。 * ここで、 赤ちゃんを思い出してみてください。 届かない場所に クッキーがあります。 「あそこにあるクッキーのところに行きたい」 まだ歩けない赤ちゃんは、 全身をくねらせて床をはいます。 赤ちゃんはここで、 《ずりばい》というテクニックを 習得します。 さて、 クッキーのある場所に たどり着きました。 「このクッキーを取りたい」 お皿にあるクッキーに 手を伸ばします。 つかもうとするんだけど、 つかめない。 でも、 何度かトライしているうちに、 ようやくクッキーを掴む事が出来ました。 赤ちゃんはここで、 《掴む》 という動作を学びました! いよいよ、 「クッキーを食べたい。」 クッキーを口に運ぼうとします。 運ぶときにクッキーを 何度か落としてしまうかもしれません。 掴んだクッキーを落とさないように 口に持っていきたい、、、。 最初はうまく行かなくても、 いずれ、 赤ちゃんはクッキーまでたどり着き、 クッキーを手に取り 口に運んで食べる事が 出来るようになるでしょう。 赤ちゃんは 一日当たり 《ずりばい》エクササイズ15分 《握力》強化トレーニング15分 といったように 各動作を 個別に練習した訳ではありません。 《クッキーがとりたい、食べたい》 という目的を実現したかったので、 その為に必要な 上記の動作 (技術)を 自ずと習得したのです。 * ピアノの話に戻ります。 通常 理にかなった教本や練習方法 また、 先生方のアドバイスや、 素晴らしいピアニストたちの 演奏などを通して テクニックを習得していく方が 多いと思うのですが、 そのような中で、 一人ひとり違う人間なので、 何故か思うようにいかなかったりして、 試行錯誤を 繰り返すことも 出てくるはずです。 そんな時、 「実現したい目的」 に今一度立ち返り、 そこへ意識をフォーカスすることが、 突破口になるかもしれません。 (連動する包括的な動作を 部分的に取り出して 練習したりする際には特に) 現在取り組んでいることが、 「どのよう

ピアノワンポイントコラム② 音色って何?

ピアノは、 たとえ同じ楽器であっても、 弾く人によって 音色が異なります。 透明感のある音 深みのある音 あたたかい音 かたい音 まるい音 かわいた音 潤いのある音 ・ ・ ・ 「いったい、どうやったらあんな 音が出るんだろう。」 素晴らしい演奏家の 神秘的な、 万華鏡のような サウンドを聴いて こんな風に思う方は 少なくないはずです。 * 音色に 「バリエーション」があると、 さまざまな表現が 可能になります。 絵具を使って絵を描くとき、 色を混ぜ合わせることで、 表現のバラエティーが 増すのに似ています。 各色を混ぜ合わせて 「 新しい色 」を作ったり、 ある色相の 「 濃淡や明るさ 」の変化を つけることができます。 Sonja Kanno Zeitgeist, 2019  Oil on wood, 6 panels (detail) また、 水彩、油彩、クレヨン といったように 様々な絵具を用いることで、 「 質感 」に変化を もたらすこともできます。 * 音の場合は、 「 基音 (ハンマーが触れた弦のピッチ)」 + 「 倍音 (基音との共振によって生まれる音)」 + 楽器 全体 の振動などが 音色に反映されます。 もう一つ重要な要素は 「 空間 」 「光」が無ければ色が存在しないように、 「空間」が無ければ音は存在しません。 そして 弾き手が直接 音色に影響を及ぼすものが 「 タッチ 」 です。 「打鍵」という言葉が 用いられることもありますが、 「打」という漢字のせいで 「固いものを叩く」 といったような 限定的なイメージも 持たれやすいので、 ここではあえて、 「 鍵盤に触れるときの身体の動作 +触れたときの感触 」 || 「タッチ」 という言葉を使います。 +「ペダル」 つまり、 音色のバラエティを増やす ↓ タッチとペダリングの種類を増やす ということになります。 * さて、ここで 前回お話しした 「テクニックを習得する上で大切なこと」 へと話を繋げます。 実際に鍵盤に触れて 音を出す前に ③『どんな音が欲しいか』 ↓↑ ②『何故、そのような音が欲しいのか』 ↓↑ ①『その音を使って何を伝えるのか。』 に思いを馳せてみます。 実現したい「音楽」が あってこその 音色 であって、 実際の演奏では 多彩な音色を「どのように」 使っていくか、 という